Портретный жанр: от каменного века до нашего времени
Семантика самого слова "портрет" восходит к старофранцузскому языку: "portraire" – воиспроизведение чего-либо с точностью до единой черты. Происхождение термина полно и емко отражает современную суть понятия. Портрет – это изображение человека или группы людей, фигурировавших либо фигурирующих в реальном мире, с помощью разнообразных художественных средств: живописи, графического и гравюрного искусств, скульптурной техники, фотографических снимков и полиграфического дела.
Поразительное совпадение, но первый образец портретного искусства в истории человечества, ставший известным исследователям, также находится на территории Франции, рядом с городом Ангулем. Это подобие портрета было выполнено 27 тысяч лет назад на весьма своебразном "холсте": на природном рельефе пещерной породы мелом было начертано что-то, отдаленно похожее на лицо человека. Данная находка имела огромное значение не только для искусствоведов и ученых. Она доказала гораздо более важную вещь: человек разумный всегда стремился запечатлеть себя - пусть даже не в памяти далеких потомков, а на краткий срок - пока не исчезнут линии недолговечного мелка.
Древний Восток: точка отсчета
Но, собственно говоря, действительной точкой отсчета развития портретного жанра как полноценного вида искусства стало появление и формирование в Древнем Египте скульптурной техники.
Причем мотивом для точной персонификации изображений послужили религиозные доводы: создание скульптурных портретов было тесно связано с процессом мумификации. Религия Египта требовала максимального соответствия между оригиналом и каменным изображением.
Конечно, сейчас мы не узнаем имен всех тех мастеров, которые живописали в скульптуре изображения принца Рахотепа и его супруги Нофрет, Хефрена, вельможи Ти, Хемона, Ранофера и загадочного писца. Зато благодаря этим работам теперь мы можем проследить за каждым шагом по дороге к расцвету древней мировой скульптуры. От Древнего и до Нового царств в типах композиций и сословной принадлежности изображаемых изменилось очень многое. Если вначале чести быть запечатленными в скульптуре удостаивались лишь цари и знатные подданные, то к эпохе пятой династии заказать художественный портрет в камне или в дереве могли уже и просто хорошо обеспеченные египтяне. Серьезным изменениям подвергся и тип композиции портрета в целом: от трех вариаций - коленнопреклоненного человека; фигуры, расположившейся на троне или сидящей на корточках; человека в ходьбе с выступающей вперед левой ногой - египетские скульпторы постепенно приходят к удлиненным пропорциям силуэта и более грациозным портретам вообще. Изображения лиц также претерпели своебразную эволюцию: если в Древнем царстве их очертания оставались еще довольно грубыми и типично стандартизированными (с акцентированно крупными губами и расширяющимися в нижней части крыльями носа), то лица, «написанные» художниками Амарнского стиля, можно в полной мере назвать шедеврами изобразительного искусства. Ярким примером тому служит женский портрет - бюст царицы Нефертити, выполненный древнеегипетским скульптором Джехутимесу (Тутмосом Младшим).
Античный мир: расцвет «по наследству»
Следующим важным этапом в становлении портретного жанра можно назвать создание в пятом веке до нашей эры в Древней Греции портретных статуй и герм (герма - скульптура головы или бюста на 4-ехгранном постаменте). Это уже не прежние классические портреты, имевшие мало общего со своими древнегреческими прототипами; это персонифицированные изображения реальных людей (публичных деятелей, служителей Каллиопы, Эвтерпы и прочих муз, известных философов). До этого момента сходство натуры и портрета было невозможным априори, поскольку нарушало принцип равенства граждан и расценивалось как свидетельство высокомерия. Скульптура могла передавать лишь универсализированные черты некоего идеального образа.
Реалистическое портретное искусство зародилось во времена Перикла, а продолжило укрепление собственных позиций при Александре Македонском. Брат скульптора Лисиппа начал исполнять портреты на заказ в оригинальной и невиданной ранее манере: он формировал слепки масок со своих моделей, а значит, пытался достичь наивысшего сходства с натурой. Эллинистический портрет и далее развивался в рамках индивидуализма, но постепенно для художников той эпохи стало значимым не только простое воспроизведение индивидуальных особенностей конкретного человека, но и отображение в его портрете мельчайших деталей настроения. Причем, как правило, улыбка редко доставалась «в награду» заказчикам-прототипам скульптурных изваяний. Напротив, конечной целью древнегреческих художников было создание драматического облика: либо изображение волевого и деятельного человека; либо воссоздание образа мыслителя, находящегося в плену печальной действительности и не имеющего возможности разрушить устоявшийся порядок вещей.
В хрониках сохранились записи и о наличии станковой эллинистической живописи (на досках и в меньшей степени - на холстах), но никаких работ и произведений время не пощадило.
Римляне искусство портретирования унаследовали от древнегреческих мастеров, некоторые из которых трудились в Вечном городе и выполнялипортреты на заказ, пытаясь удовлетворить взыскательный вкус богатых заказчиков. Древнеримский портрет тем и отличался от древнегреческого, что внимание привлекала вполне определенная личность, а не человек как уникум в этом мире. Портретный жанр у мастеров Древнего Рима на стыке тысячелетий нашей и дохристианской эры достиг максимума реалистичности. В этом смысле показателен, к примеру, скульптурный портрет Марка Поция Катона Старшего (приблизительно 80 год до н.э.): крупная общественная фигура и литератор, он изображен без всяких прикрас и ухищрений. Причиной подобного стремления к натуралистичности явился философский и жизненный принцип: человек заслуживает уважительного отношения как личность сам по себе, вне зависимости от внешнего вида. Говоря обычным языком, что с того, если портрет какого-нибудь древнеримского оратора запечатлеет в истории все его морщины, ценен-то он не этим, а своим ораторским талантом.
Помимо всего прочего, натурализм как явление в портретном искусстве был обусловлен отличными познаниями системы лицевых мускулов и всей гаммы выражений человеческого лица. Специфичные знания были приобретены благодаря обычаям древней культуры: знатные римляне снимали с лиц умерших посмертные маски и хранили их в ларариумах (то есть в частных алтарях).
Римляне отличились и тем, что к древнегреческим гермам и статуям добавили еще один вид портретного искусства - бюст. Также повсеместное хождение получили портреты, выполненные на камеях и монетах: ремесленники-чеканщики были очень искусны в своем деле. Развитие живописного портрета в то время еще только начиналось: именно нарисовать портрет стремились немногие. Станковая портретная живопись развилась гораздо позднее - в I-III вв. н. э. на территории подконтрольного римлянам Египта. Сформировалась она здесь в виде фаюмскихпортретов - живописные произведения служили заменой привычным посмертным маскам-слепкам.
Средние века: регресс в действии
Густав Моро (французский художник, живший в XIV веке) как-то сравнил искусство живописи со страстным молчанием. Так случилось, что в Средние века искусство живописи вообще и портретирования в частности действительно «замолчало», пришло в упадок. Преемственность этого ремесла оборвалась: мастера Западной Римской империи и Византии не приняли реализма древнеримского портрета. Наступил регресс. Он выражался, в первую очередь, в возвращении универсализации образов и в отходе от персонификации. В придачу к тому, в живописи стали преобладать спиритуализированные изображения. Кроме непосредственного буквального смысла, каждое изображение имело еще и аллегорическое значение. Во-вторых, регрессу подверглось само мастерство и техника исполнения художниками Темных веков своих картин. В течение целого тысячелетия живопись в Европе пребывала в упадке. Сам портрет как жанр живописи встречался в те времена очень редко: строгие церковные догмы ограничивали художника в изображении тех или иных объектов и предметов.
В X-XII вв. портреты понемногу восстанавливают утраченные позиции, но по-прежнему остаются на вторых ролях. Главным образом, они занимают свое место в соборных архитектурных комплексах, чеканятся на монетах и воссоздаются в виде книжных миниатюр. Отличной иллюстрацией к вышесказанному является картина Джотто ди Бондоне «Проповедь птицам» (ок. 1295-1300 гг.). Эта фреска, описывающая эпизод из жизни святого Франциска Ассизского, уже выделяется среди прочих подобных произведений того времени: персонажи, изображенные на картине, не отвечают требованиям церковных канонов. У них нормальный разрез глаз; округлые лица, не искаженные неестественно удлиненными пропорциями; плотный тип телосложения.
Постепенно портретный жанр прокладывает себе дорогу и в станковой живописи Европы. В позднеготический период здесь у чешских и немецких живописцев появляется совершенно новый вид станкового портрета: человек изображается в три четверти, а не в профиль. Первой такой картиной стал портрет эрцгерцога Рудольфа IV Австрийского, созданный неизвестным мастером в 1365 г. Это произведение ознаменовало начало попыток воссоздания трехмерного пространства в портретном жанре, но само по себе оно еще очень слабо соответствует задумке автора. Вряд ли художник, не знавший о правилах перспективного сокращения, смог бы осуществить полноценную экспликацию субъекта в пространство с тремя системами координат.
Следует отметить, что в Китае и на территории Японии искусство портретирования в Средние века переживало свой расцвет, и там явлений регресса не наблюдалось вовсе. Мастера стран Средней Азии, Индии, Ирана, Азербайджана, Афганистана создавали в то время картины действительно высокого класса исполнения. Их портретные миниатюры восхищают зрителей и сегодня. Примером такого неподдельного восторга для искусствоведов и обычных любителей живописных картин может служить портрет пастуха, нарисованный персидским художником Риза-йи-Аббаси в 1634 г.
Ренессанс: возрождение в стиле антропоцентризма
С приходом Ренессанса в западноевропейской живописи снова воцарился реализм, и оборванные некогда связи с традициями античного искусства восстановились. Возвращение к индивидуализму в портретном жанре обуславливалось формированием новой гуманистической философии антропоцентризма, которая гласила: человек - главная ценность и главное мерило этого мира.
Возрождение началось с итальянского скульптурного портрета. Лука делла Роббиа, Мино да Фьезоле, Донателло, Антонио Росселлино - все они стремились не только достичь определенного сходства с натурой в своих произведениях, выразить характер прототипа, но и сохранить благородство манеры работы.
В дальнейшем развивающийся портретный жанр Ренессанса приобрел характерные, легко узнаваемые черты.
Первой особенностью ренессансного портрета стало невольное копирование итальянскими мастерами своих ранних работ с античных первоисточников (медалей и монет), а потому человек на их картинах чаще всего нарисован исключительно в профиль. К такому способу изображения человека, как портрет в анфас и в три четверти, авторы пришли позднее. Интересны в этом отношении портреты Андреа Соларио: модель всегда изображена по грудь или по пояс, а голова повернута на те самые три четверти. Ярким выражением всего творчества Соларио стала картина «Мужчина с гвоздикой» (приблизительно 1495 г.).
Второй характерной чертой живописного искусства эпохи Возрождения стало начало применения художниками масляных красок, что придавало картинам изящную филигранность и необычную душевность.
Помимо указанных типичных черт искусства портретирования того времени, Ренессанс привел также к изменению фона живописных портретов: если в эпоху Средневековья фон изображался весьма условным и сюрреалистичным, то художники Возрождения воссоздавали вполне реалистичные панорамы и интерьеры.
К XV веку все эти характерные особенности портретного жанра Ренессанса прочно укоренились в творчестве Доменико Венециано, Мазаччо, Доменико Гирландайо, Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо, Сандро Боттичелли, Мантенья и др. Но наиболее известными сегодня именами, конечно, стали Тициан, Рафаэль, Леонардо да Винчи и Джорджоне. Вряд ли кто-не не видел «Мону Лизу» или не имел удовольствия лицезреть «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля. Эти художники по праву заняли особое место в исторической галерее портретов благодаря одухотворенности их образов и усовершенствованию выразительных средств. Разумеется, портрет как жанр живописи возрождался в ту эпоху не только в одной Италии, но и в других странах. Так, например, общепризнаными мастерами Ренессанса являются немецкие художники Ганс Гольбейн младший и Альбрехт Дюрер (преуспевший и в живописи, и в ксилографии), а также французские портретисты Франсуа Клуэ и Жан Фуке.
XVI век ознаменовался наступлением эпохи маньеризма, который обладал иными, не схожими с ренессансными портрерами, стилевыми чертами. Обобщенно формула маньеризма выражается в сочетании следующих составляющих: змеевидные, ломаные линии + изляшняя спиритуализированность + нарушение гармоничности в очертаниях фигур + перенасыщенность содержимого картин в целом. Сложив все эти компоненты, вы получите, к примеру, работу Ханса фон Аахена «Вакх, Церера и Купидон».
В стилистику маньеризма вписываются и портреты Эль Греко и Бронзино.
Барокко: взлет станковой живописи
Эпоха Барокко вознесла искусство портретирования на новые высоты. Но портретный жанр не достиг бы таких высот, если бы предварительно нидерландскими художниками Северного Возрождения не был подготовлен соответствующий постамент для качественного толчка вверх.
Итак, XVII век - век неестественности и вычурного благородства - принес миру таких звезд живописного искусства, как Рембрандт, Диего Веласкес, Франц Хальс, Николя Пуссен, Питер Пауль Рубенс и другие. И настоящим ценителям портретной живописи не столь уж важно, кто из мастеров к которой художественной школе принадлежал - голландской ли, фламандской ли - или же вовсе был родом из Франции или Испании. Главное - эти авторы подарили нам возможность любоваться не только изображениями королей, знатных вельмож и купцов, но и людьми из всех сословных категорий. Чего стоит один портрет цыганки, написанной Францем Хальсем (1628-1630 гг.)?
Буржуазный уклад жизни и общий рост благосостояния людей в те времена резко увеличили число людей, имевших возможность заказать художественный портрет. В Нидерландах того времени огромную востребованность получили групповые портреты. Причем взаимоотношения между персонажами в рамках конкретной сюжетной линии ощутимо оживляются. «Ночной дозор» Рембрандта (1642 г.) - прямое тому подтверждение.
Барокко также открыло широкую дорогу станковой живописи и возвело в ряд наиболее распространенных видов живописного искусства, но эта эпоха отметилась в истории портретов и совершенно несообразными тенденциями. Так, определенной нелепостью эпохи Барокко стало установившееся разделение всех жанров искусства на «низкие» и «высокие» категории. В довершение чего, портретный жанр был занесен современниками Франсиско Сурбарана в категорию «низких». Вряд ли можно было придумать нечто абсурднее, но факт состоит в том, что подобное положение вещей просуществовало до конца XIX века.
Портрет XVIII века: Рококо - игра на грани жизни
Портретный жанр в XVIII веке вновь не жалует реализма в изображении своих героев. Первоисточником, определяющим развитие искусства портретирования, становится культура Франции. А во Франции того времени правдивость не была в чести ни в действительной жизни, ни в изобразительных средствах. Эталоном для всей Европы стал придворно-аристократический портрет, переживший подъем во время правления династии Людовиков и распространившийся позднее повсеместно. Однако этот официальный портрет при всей своей парадности стремился не к достижению индивидуализма изображаемых фигур (то есть не к максимальной схожести портрета и оригинала), а к идеализации их образов. Художники этого времени - Франсуа Гюбер Друэ, Гиацинт Риго, Жан Натье, Пьер Миньяр и другие - старались следовать исключительно вкусам своих богатых и знатных заказчиков. Поэтому большинство их картин более похоже на декорации, в которых играют актеры, причем игра актеров явно неумела и неестественна. Техника исполнения страдает; впоследствии в искусствоведческой среде появится термин «кукольное лицо».
В завершающей трети XVIII века в устоявшемся порядке вещей наметились крупные перемены. В художественной среде появляется и укрепляет свои позиции новый портрет - жизненный и отвечающий принципам реализма. Сюда можно отнести скульптурные произведения Жана Батиста Пигаля и Жана Антуана Гудона, позднее творчество Антуана Ватто, пастельные картины Ж. Б. Перонно, портреты Франагора, Аведа, остросоциальные работы англичанина Уильяма Хогарта и пр.
Типичным примером развития техники пастели является картина Ж. Б. Перонно «Девочка с кошкой». Подобные средства выражения идеальны для изображения лиц и настроений, но совсем не подходят для изображения вычурной помпезности.
К 50-м гг. XVIII века портретисты пытаются охватить своим искусством более широкие слои населения, в результате чего появляется «дешевый» портрет, выполненный с помощью карандаша, акварельных красок или в виде гравюры. Появляется и пользуется огромным успехом и самостоятельное ответвление в портретном искусстве - портретная миниатюра.
В конце века на мировом уровне заявили о себе и русские портретисты: Боровиковский и Левицкий.
Портрет XIX века: стилистический бум
XIX век принес человечеству великое разнообразие стилистических направлений и подстилей портретирования: классицизм, реализм, романтизм и импрессионизм.
Вначале бурному развитию классицизма способствовала Великая Французская революция, убравшая из работ художников всякую напыщенность и приторность. Общая кайма портретов выдерживается в более каноничных и бесстрастных рамках исполнения. В подобной манере творили французские художники Жак Луи Давид, Поль Деларош и Франсуа Жерар.
В первой половине XIX века сформировалось и романтическое направление. Помимо Европы, романтизм как часть искусства проник и на территорию Российской Империи: творчество Карла Брюллова, Ореста Кипренского и частично Василия Тропинина пронизано культом чувств и природы. Так, например, невозможно не отметить глубокомысленную страстность во взгляде Василия Андреевича Жуковского, запечатленную в 1815 году в его портрете Кипренским.
В середине этого шумного века, совпавшего с промышленном переворотом и появлением фотографического ремесла, в искусство возвращается реалистичный портрет. Но эти произведения нацелены не столько на достоверность изображения персонажей, сколько на отображение героя как представителя конкретного социума: кто он? чем заняты его мысли? какими этическими принципами обусловлено его поведение? К этому направлению относятся художники из совершенно разных стран с абсолютно разным уровнем развития: норвежец Эрик Вереншёлль; француз Густав Курбе; поляк Ян Матейко; немецкие художники Адольф фон Менцель и Вильгельм Лейбль; бельгийский живописец Альфред Стивенс; Квидо Манес из чешского государства; американец Томас Эйкинс. В России последователями реализма стали художники-передвижники: Ге, Перов, Крамской и др.
В завершающей трети XIX века появился импрессионизм, который в корне изменил концептуальное содержание портрета. Импрессионисты сосредоточились не на достоверности портретного облика человека, а на изменчивости его вообще и образе действий во внешней вариативной обстановке. Типичные представители данного направления - это тяготевшие в той или иной мере к импрессионизму Огюст Роден, Эдуар Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар.
Портрет в XX веке: фотография против мольберта
Портретный жанр в прошлом веке пришел в явный упадок. Художественный портрет стал уделом избранных в отличие от массового фототиражирования. Но все же искусство портретирования продолжило свою эволюцию. Возникновение модернизма привело к появлению нетипичных произведений: произведений, в которых образ человека преподносился довольно схематично - так, как его увидел художник, и никак иначе. Образцом модернизма, например, уверенно можно назвать работу Амадео Модильяни «Портрет Жанны Эбютерн в желтом свитере» (1918 г.).
Затем последовало противостояние двух абсолютно разных стилей в портретном жанре: реалистичного и абстрактного. Многие знают о представителях абстрактного искусства (основоположнике кубизма Пабло Пикассо или лидере направления фовистов Анри Матиссе), но мало кто слышал о художниках-реалистах: графике Кете Кольвиц, скульпторе Аристиде Майоле или живописце Уильяме Орпене. XX век расставил свои приоритеты, но хотелось бы узнать, почему он расставил их именно в таком порядке.